LET ME HEAR IT BAREFOOT director Riho KUDO © PFF Partners
[日本語版は下にあります]
In the 2022 edition of the Nippon Connection Film Festival’s NIPPON VISIONS section, we are presenting Riho KUDO’s film LET ME HEAR IT BAREFOOT.
Riho KUDO, born in Fukuoka in 1995, studied film at Kyoto University of the Arts. Her graduation film ORPHANS’ BLUES (2018) was invited to numerous Japanese film festivals and received various awards. Her second feature film LET ME HEAR IT BAREFOOT (2021 / NC ’22) was supported by a grant from the PIA Film Festival and was shown at the International Film Festival Rotterdam.
We thank Riho KUDO for this interview.
Was there any particular experience that served as an inspiration for the storyline? How did you develop the idea for the film?
The last scene was the first thing that came to my mind, and simply put, I came up with the story in the form of working backwards.
The part of faking the world through sounds during the play was an idea inspired by my own filmmaking. In film, there is a process called Foley, in which the sounds of things are re-recorded to match the footage that is taken, and one day I realized that this was a very peculiar and interesting act. For example if there is the image of a person walking in the prairie, the sound of the footsteps could actually be made by a Foley Artist stomping on a bundle of videotape. What we believe to be the sound of a thing is actually not, and this is also a lie that is not revealed to the audience.
I myself considered the motif of the lie as very cinematic, so I was convinced that something like Foley could be an important element of this story. When it merged with the theme of traveling, which I originally wanted to use, it became this kind of story.
Do the places depicted in the film have a personal meaning for you?
I have never actually been to the places they travel to (or record the sound of) in the play. Or perhaps I should say, I have not personally experienced most foreign countries. However, I have always had a strong longing for traveling and the world.
This time, in coming up with this story, I researched all the landscapes of the world. All the places I wanted to show in the film were so beautiful and touching, it was unbelievable. For me, the landscape of other countries is really fascinating.
It can be said that the fake foreign countries the two travel to symbolize the yearning and hopes of Naomi, Maki, Midori, and myself. And one more thing, the Iguazú Falls that appear in the play also mean to be an homage to WONG Kar-Wai’s Film HAPPY TOGETHER.
What was it like filming the fight-scenes? Was it hard to depict the mixture of violence and intimacy?
From the beginning, I envisioned a gradation of fighting in this film, in which joking around gradually becomes erotic, ecstatic, and finally violent, but since I am not an expert in martial arts and the like, when I was writing the script it inevitably became abstract and I had a hard time portraying this.
So, while reviewing LOVE BATTLES by Jacques Doillon, a film that had influenced me, I told the action director the theme of the fight and the emotions of the two men in each scene and was provided with a specific choreography.
It was my first experience to shoot a genuine action scene, so I was also nervous, but I think who struggled even more than me after all were the action director, who actually choreographed the fight and the actors performing it. The action director said it was very difficult to choreograph such a fight.
Do you have any favorite directors, and if so, is there a particular reason why they’re your favorite?
I am drawn to directors with a strong characteristic style that feels as if their works give off a scent, but I especially admire WONG Kar-Wai and Leos Carax. This is because each of them presents a unique view of the world that only they can capture.
When I saw their works and came in contact with this distorted romanticism and the artists’ poetic side, my heart was strongly shaken. I had the feeling that their own soul and true feelings itself were put into their films. Whenever I encounter such works, I feel like I can believe in this world in which they exist.
The creations of these directors will still always be a constant source of inspiration for me.
LET ME HEAR IT BAREFOOT
Japan 2021, 127 Min
at the 22nd Nippon Connection Film Festival
The complete program and tickets are available on the festival homepage.
本作品のストーリーのインスピレーションとなった体験等はありますか。また、どのように映画のアイデアを練っていったのでしょうか。
ラストシーンが一番初めに頭に思い浮かび、簡単に言うとそこから逆算していく形でストーリーを考えました。
劇中の「音で世界を偽る」という部分は、自身の映画制作の中でヒントを得たアイデアです。映画は、撮られた画に合わせて物音を再収録するフォーリーという作業があるのですが、ある日、それがとても奇妙で興味深い行為であることに気づきました。
例えば、大草原を歩く人物の映像がある場合、その足音は、実際にはフォーリーマンがビデオテープの塊を踏み鳴らすことで出来ていたりします。
私たちがそのものの音だと思っているものは実際には違い、それは観客に明かされない“嘘”でもあるのです。
嘘というモチーフは、私自身とても映画的だと考えていたので、フォーリーのようなことがこの物語に重要な要素であることを確信し、元々やりたかった「旅をする」ということが掛け合わさってこのようなストーリーになりました。
作品の中で描かれている場所は監督にとって個人的に思い入れのある場所なのでしょうか。
劇中で二人が旅をする（音を録る）場所には、実際に行った事はありません。というか、私自身ほとんどの外国を体験した事がありません。ですが、昔からずっと旅することや世界に対して強い憧れがありました。
今回、ストーリーを考える上で世界のあらゆる景色を調べました。映画に登場させたいと思った場所はどれも嘘みたいに美しく、感動的でした。私にとって他の国の景色というのは本当に魅力的です。二人が旅する嘘の外国は、直己と槙や美鳥、そして私自身の憧れや希望の象徴だと言えます。
ですが一つだけ、劇中で登場する“イグアスの滝”は、ウォン・カーウァイ監督の『ブエノスアイレス』へのオマージュの意味もあります。
争いの場面を撮るのはいかがでしたか。暴力と親密さが混じる様子を描写するのは、難しかったのではないでしょうか。
この映画の格闘は当初から、じゃれあいが次第にエロティック、エクスタシーになっていき、最終的に暴力になってしまうグラデーションをイメージしていましたが、私は格闘技などに詳しいわけではなかったので、脚本を書いている時はどうしてもその描写が抽象的になってしまい、苦労しました。
なので、影響を受けたジャック・ドワイヨン監督の『ラブバトル』を見直したりしながら、そのシーンごとの格闘のテーマと、二人の感情をアクション監督に伝えて、具体的な振り付けをしてもらいました。
本格的なアクションを撮るのは私自身初めての経験だったので緊張もありましたが、私以上に苦労したのは、やはり実際に格闘の振り付けを行なったアクション監督や演じた俳優たちでは無いかと思います。アクション監督は、こうした格闘の振りをつけるのは大変難しいと仰っていました。
好きな監督はいますか。その理由を教えてください。
作品から匂い立つような強烈な作家性を持った監督に惹かれるのですが、特にウォン・カーウァイ、レオス・カラックスを尊敬しています。この人たちそれぞれでしか撮れない唯一無二の世界観を見せてくれるからです。
二人の作品を観た時、そのいびつなロマンチックさや作家の詩的な部分に触れ、強く心を揺さぶられました。その人自身の魂や本心そのものが作品に込められているように感じたのです。私はそんな作品に出会うたび、それが存在するこの世界を信じられる気持ちになります。
この監督たちの作品は、今でもずっと心の拠り所です。
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